La prima volta dei Led Zeppelin

12 agosto 2019 ore 16:04 segnala
Il 12 agosto del 1968 è una data importante nella storia della musica rock. Quattro musicisti, Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones e John Bonham, che da lì a breve sarebbero diventati i Led Zeppelin, si trovano a suonare insieme per la prima volta…



Led Zeppelin negli anni '70: una band così riuscita e innovativa che finirono per creare il prisma attraverso il quale fu vista la loro intera epoca. Gli Zeppelin hanno inaugurato l'era del rock album - si sono rifiutati di pubblicare singoli dai loro album, anche quando stavano raccogliendo enormi spettacoli radiofonici - e del rock arena, suonando in stadi sempre più grandi mentre le loro vendite di biglietti salivano alle stelle. Altre band suonavano in un campo simile ma i Led Zeppelin portavano una mistica unica coltivata dalle criptiche copertine dei loro album, dalla distanza dalla stampa e, ovviamente, dalla loro musica. Attingendo al blues elettrico del dopoguerra, al primo rock & roll e alla psichedelia, Zeppelin ha creato un ruggito titanico nei loro primi giorni, ma anche allora non erano solo pesanti. Sotto il wattaggio, c'era una forte corrente sotterranea di folk-rock e il quartetto avrebbe presto inserito della world music, funk, country e sintetizzatori, creando un corpo avventuroso di lavoro che ha avuto un'influenza lunga e duratura su hard rock, heavy metal, e rock alternativo.
Una vera prodezza per una band le cui origini si trovano nelle ceneri della pioniera rock band britannica degli Yardbirds . Jimmy Page , un chitarrista che si guadagnò la reputazione di sessionman negli anni '60, si unì alla band nel 1966, sostituendo il bassista Paul Samwell-Smith , ma presto divise i doveri di chitarra solista con Jeff Beck e prese completamente quella posizione una volta che Beck se ne andò. Page contribuì pesantemente all'ultimo album della band, Little Games del 1967, che vide anche contributi di John Paul Jones , un bassista e arrangiatore di archi che girava negli stessi circoli di studio di Page ; i due suonarono nel singolo di Beck del 1966 "Beck's Bolero", che presentava anche Keith Moon . Sotto la direzione del loro nuovo manager Peter Grant , gli Yardbirds hanno supportato l'album con un tour negli Stati Uniti, ma il gruppo era nei suoi ultimi giorni. Poco prima dello scioglimento della band, Page riempì il tempo con il lavoro di sessione, inclusa una sessione della primavera del 1968 in cui suonò sull'arrangiamento di Jones di "Hurdy Gurdy Man" di Donovan . Durante le sessioni, Jones ha richiesto di far parte di qualsiasi futuro progetto di Page . Questo futuro progetto si è materializzato rapidamente. Nell'estate del 1968, gli Yardbirds ' Keith Relf e James McCarty lasciarono la band, lasciando Page e il bassista Chris Dreja con i diritti sul nome, insieme all'obbligo di compiere un prossimo tour autunnale. Page ha iniziato a cercare un cantante e batterista sostitutivo. Inizialmente, voleva arruolare il cantante Terry Reid e il batterista di Procol Harum BJ Wilson , ma nessuno dei due musicisti era in grado di unirsi al gruppo. Reid suggerì a Page di contattare Robert Plant , che cantava con una band chiamata Hobbstweedle.
Dopo averlo sentito cantare, Page chiese a Plant di unirsi alla band nell'agosto del 1968, lo stesso mese in cui Chris Dreja abbandonò il nuovo progetto. Dopo la partenza di Dreja , John Paul Jones si unì al gruppo come bassista. Plant raccomandò a Page di assumere John Bonham , il batterista della vecchia band dei Plant , i Band of Joy . Bonham dovette essere convinto a unirsi al gruppo, poiché veniva corteggiato da altri artisti che offrivano al batterista considerevolmente più soldi. A metà agosto, Bonham accettò di unirsi alla band. Suonando sotto il nome di New Yardbirds , la band soddisfaceva gli impegni scandinavi precedentemente prenotati dagli Yardbirds alla fine di settembre 1968. Il mese seguente, registrarono il loro album di debutto in poco meno di 30 ore. Sempre a ottobre, Dreja informò Page che aveva i diritti sul nome New Yardbirds solo per le date live, quindi il gruppo cambiò il suo nome in Led Zeppelin .(Il nome nasce grazie o a causa di una battutaccia di Keith Monn, allora batterista degli WHO che si riferisce al gruppo dicendo che sarebbero precipitati come un pallone di piombo: They’ll fly over like a lead baloon, more… like a lead zeppelin…Finito il tour in Scandinavia Jimmy Page trasformerà l’arrogante avvertimento di Moon nel nome ufficiale della band eliminando la ‘a’ da lead (piombo oppure condurre) e trasformandolo così in LED… LED ZEPPELIN e la storia comincia così… )
Grant ha aiutato la band a firmare un contratto da record con Atlantic Records negli Stati Uniti prima della fine dell'anno; sono stati pagati con un anticipo di $ 200.000, a quella data la somma più grande per qualsiasi nuova band. All'inizio del 1969, i Led Zeppelin partirono per il loro primo tour americano, che contribuì a preparare il palcoscenico per l'uscita di gennaio del loro omonimo album di debutto. Due mesi dopo il suo rilascio, i Led Zeppelin erano saliti nella Top Ten degli Stati Uniti. Per tutto il 1969, la band andò in tournée incessantemente, suonando date in America e Inghilterra. Mentre erano in viaggio, registrarono il loro secondo album, Led Zeppelin II , e quella velocità diede un'urgenza palpabile al blues forte e violento del disco.






Come il suo predecessore, Led Zeppelin II fu un successo immediato nella sua uscita dell'ottobre 1969, in cima alle classifiche americane due mesi dopo la sua uscita e trascorse sette settimane al numero uno. L'album ha contribuito a confermare i Led Zeppelin come un'attrazione per concerti internazionali e, per l'anno successivo, il gruppo ha continuato a girare senza sosta. I Led Zeppelin hanno iniziato ad allargare i propri orizzonti con Led Zeppelin III . Registrato in un cottage in Galles e pubblicato nell'ottobre del 1970, l'album li ha visti intrecciare folk britannici nel loro rock pesante, un ibrido che ha approfondito il suono della band. Il
Led Zeppelin III raggiunse il numero uno sia nel Regno Unito che negli Stati Uniti, ma, comparativamente, le vendite furono più basse per questo record rispetto ai due successi precedenti; non ha mai ottenuto una certificazione di platino nel Regno Unito ma, nel corso degli anni, è diventato platino sei volte negli Stati Uniti, un segno della sua reputazione come uno dei dischi più distintivi della band. Nonostante l'avversione dichiarata dagli Zeppelin nei confronti dei singoli, supportarono III con l'uscita di "Immigrant Song" come 7 "negli Stati Uniti, sostenuta dal non-LP" Hey, Hey What Can I Do ", il loro unico lato B per non apparire in un album. I Led Zeppelin non fecero un tour massacrante dietro a Led Zeppelin III come per Led Zeppelin II , ma erano sulla buona strada per consolidare il loro status come una delle attrazioni più popolari nel rock. Il loro prossimo disco , un album senza titolo comunemente chiamato Led Zeppelin IV , ha consolidato questa reputazione. Rilasciato nel novembre 1971, Led Zeppelin IV fonde il blues intenso del II con il misticismo popolare del III e al crocevia di quei due estremi si trovava "Stairway to Heaven, "un'epopea di otto minuti che ha incapsulato gran parte della maestosità degl Zep ." Stairway to Heaven "è stato un successo radiofonico immediato, diventando infine la canzone più suonata nella storia della radio orientata agli album; la canzone non è mai stata pubblicata come singolo. Nonostante il fatto che l'album non abbia mai raggiunto il numero uno in America per esempio, Led Zeppelin IV fu il loro album più grande di sempre, vendendo ben oltre 37 milioni di copie nei successivi quattro decenni.





I Led Zeppelin hanno supportato Led Zeppelin IV con il loro tour più grande fino ad oggi, il più grande in base alle dimensioni, non alle date. In tutto il mondo hanno fatto il salto negli stadi e nelle arene sportive, aprendo la strada a un circuito che è diventato un luogo comune alla fine del decennio, lasciando leggende di eccessi lungo la strada. Dopo aver completato il tour del 1972, si ritirarono dai riflettori e registrarono il loro quinto album, Houses of the Holy . Apparendo nel marzo 1973, Houses of the Holy li trovò intrecciati in tocchi di funk e reggae in mezzo al loro rock scricchiolante ed epiche di sette minuti. Ancora una volta, gli Zeppelin avevano in mano un altro album di successo e il suo successo ha portato a un tour americano che ha battuto i record al botteghino - la maggior parte dei quali in precedenza erano detenuti dai Beatles . Il tour della band è culminato in uno stand di tre notti al Madison Square Garden di New York nel luglio 1973, un periodo che è stato girato e pubblicato come film del concerto The Song Remains the Same nel 1976. Dopo questo tour da record, i Led Zeppelin hanno trascorso un anno tranquillo durante il 1974, non rilasciando nuovo materiale e senza esibirsi in concerti. Tuttavia, stabilirono la loro etichetta discografica, Swan Song, che pubblicò tutti gli album successivi dei Led Zeppelin , oltre a dischi di Dave Edmunds , Bad Company , The Pretty Things e molti altri atti. Physical Graffiti , un doppio album pubblicato nel febbraio del 1975, fu la prima uscita della band su Swan Song. L'album fu un successo immediato, in cima alle classifiche sia in America che in Inghilterra. Led Zeppelin ha lanciato un tour internazionale con un periodo di cinque notti al Earls Court di Londra, ma alla vigilia della tournè americana , Robert Plant e sua moglie hanno subito un grave incidente d'auto durante una vacanza in Grecia. Il tour è stato annullato e Plant ha trascorso il resto dell'anno a riprendersi dall'incidente.
Quando Plant si riprese, la band si diresse a Malibu per registrare un nuovo album. I Presence risultanti apparvero nella primavera del 1976 e mentre debuttarono al numero uno sia negli Stati Uniti che nel Regno Unito, le vendite sono leggermente diminuite, probabilmente a causa della decisione della band di non andare in tournée a sostegno dell'album. Invece, pubblicarono il film The Song Remains the Same , che apparve nell'autunno del 1976; la sua colonna sonora raggiunse il numero uno nel Regno Unito e il numero due negli Stati Uniti Zeppelin tornò sul palco nella primavera del 1977 con un tour negli Stati Uniti (il Regno Unito era vietato, poiché la band decise di prendere un esilio fiscale) . I concerti hanno incassato soldi ma dopo quasi tre mesi dall'inizio del tour, Karac, il figlio di sei anni di Plant, è morto per un'infezione allo stomaco. I Led Zeppelin hanno immediatamente cancellato il tour e non hanno offerto alcuna parola sull'eventuale riprogrammazione, causando una diffusa speculazione sul futuro della band. Per un po ', sembrò che i Led Zeppelin fossero finiti. Robert Plant trascorse la seconda metà del 1977 e la parte migliore del 1978 in isolamento. Il gruppo non iniziò a lavorare su un nuovo album fino alla fine del 1978, quando iniziarono a registrare ai Polar Studios degli ABBA in Svezia. Un anno dopo, la band ha suonato in un breve tour europeo, esibendosi in Svizzera, Germania, Olanda, Belgio e Austria. Nell'agosto del 1979, i Led Zeppelin suonarono due grandi concerti al Knebworth; gli spettacoli erano le loro prime esibizioni inglesi in quattro anni e sarebbero stati i loro ultimi concerti inglesi.
In Through the Out Door , l'ottavo album in studio della band, molto ritardato, fu finalmente pubblicato nel settembre del 1979. L'album entrò nelle classifiche al numero uno sia in America che in Inghilterra. Nel maggio del 1980, i Led Zeppelin iniziarono il loro ultimo tour europeo. A settembre, hanno iniziato a provare a casa di Jimmy Page in preparazione per un tour americano. Il 25 settembre, John Bonham è stato trovato morto nel suo letto - dopo aver bevuto tutto il giorno, era svenuto e si era soffocato con il proprio vomito. Nel dicembre del 1980, i Led Zeppelin annunciarono che si stavano sciogliendo, poiché non potevano continuare senza Bonham.
A seguito della rottura, i membri rimanenti hanno iniziato tutte le carriere da solista. John Paul Jones è tornato a produrre e arrangiare; per anni, è rimasto in carica dietro le quinte, in attesa fino al 1999 per il suo debutto da solista, Zooma . Dopo aver registrato la colonna sonora di Death Wish II, Jimmy Page ha compilato la collezione di outtakes Zeppelin Coda , che è stata pubblicata alla fine del 1982. Nello stesso anno, Robert Plant ha iniziato una carriera da solista con Pictures at Eleven . Nel 1984, Plant e Page si riunirono brevemente nella band di vecchietti delle star Honeydrippers . Dopo aver registrato un EP con i Honeydrippers , Plant è tornato alla sua carriera da solista e Page ha formato lo Studio con l'ex cantante dei Bad Company Paul Rodgers . Nel 1985, i Led Zeppelin si riunirono per suonare il Live Aid, supportato dai batteristi Phil Collins e Tony Thompson , scatenando una raffica di voci sulla riunione; la riunione non si è mai materializzata. Nel 1988, la band si riformò per suonare al concerto del 25 ° anniversario dell'Atlantic, questa volta suonando con il figlio di John Bonham , Jason . Nel 1989, Page rimasterizzò il catalogo della band per l'uscita sul cofanetto del 1990 Led Zeppelin . All'epoca, il set di quattro dischi divenne il box-set multi-disco più venduto di tutti i tempi, a cui seguirono tre anni dopo un altro set, il gigantesco set di dieci dischi The Complete Studio Recordings .
Nel 1994, Page and Plant si riunirono per registrare un segmento per MTV Unplugged, che fu pubblicato come No Quarter nell'autunno del 1994. Anche se l'album divenne platino, le vendite furono deludenti considerando l'anticipazione di una riunione Zeppelin . L'anno seguente, Page e Plant intrapresero un tour internazionale di successo, che alla fine portò a una nuova registrazione in studio nel 1998, la produzione di Steve Albini, Walking into Clarksdale . Sebbene abbia ricevuto alcune recensioni positive, l'album non è stato un grande successo - è diventato d'oro solo in America - e Page e Plant hanno concluso la loro unione poco dopo; Page andò in tournée con i Black Crowes , mentre Plant riprese la sua carriera da solista. Altre pubblicazioni d'archivio di Zeppelin hanno visto la luce alla fine degli anni '90, tra cui le stellari BBC Sessions a doppio disco del 1997, oltre alle prime compilation ufficiali di successi di Zep - Early Days: The Best Of, Vol. 1999 . 1 e 2000's Latter Days: The Best Of, vol. 2 - e How the West Was Won , una raccolta del 2003 con momenti salienti dal vivo dei concerti di Los Angeles dei Zeppelin nel 1972. Nello stesso anno, la band pubblicò un acclamato set di spettacoli dal vivo con doppio DVD del 2003-1979. Una riunione completa dei membri sopravvissuti della band, con Jason Bonham che sostituiva suo padre alla batteria, ebbe luogo nel 2007 quando il gruppo suonò uno storico concerto al 02 di Londra in memoria del fondatore della Atlantic Records Ahmet Ertegun . Il set è stato girato e registrato e alla fine è apparso come uscita commerciale con il titolo Celebration Day nell'autunno del 2012. Nel 2014, i Led Zeppelin hanno lanciato una massiccia campagna di cataloghi sotto la supervisione di Jimmy Page , contenente versioni rimasterizzate di recente di tutti i loro album, disponibili su CD, download ad alta risoluzione e vinile. Inoltre, c'erano edizioni Deluxe contenenti materiale inedito proveniente dalle volte. Il primo round di ristampe conteneva i primi tre album della band ed è apparso a giugno 2014; l'ultimo round è apparso a luglio 2015. Il gruppo ha anche pubblicato The Complete BBC Sessions nel 2016, un'edizione aggiornata e ampliata della loro collezione BBC Sessions del 1997.



La compilation includeva otto registrazioni inedite, tra cui una sessione radio persa da tempo con i brani "You Shook Me", "Sunshine Woman" e "I Can't Quit You Baby". Nel 2018, una versione estesa di How the West Was Won è apparsa a marzo e un'edizione Super Deluxe di The Song Remains the Same è stata presentata a settembre.


https://www.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_ky6NYt4DqU3WaNveeplWlgX-54_r9OEhc


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Il 12 agosto del 1968 è una data importante nella storia della musica rock. Quattro musicisti, Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones e John Bonham, che da lì a breve sarebbero diventati i Led Zeppelin, si trovano a suonare insieme per la prima volta… « immagine » Led Zeppelin negli anni...
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Jaco

09 agosto 2019 ore 23:31 segnala



Jaco Pastorius è stata una luminosissima stella/meteora che è apparsa sulla scena negli anni '70, per poi spegnersi tragicamente negli anni '80. Con una brillante tecnica e una fertile immaginazione melodica, Pastorius fece balzare il suo basso elettrico agitato e irruento dalle profondità della sezione ritmica in prima linea con fluidi passaggi simili a mitragliatrici ,che richiamavano tutta l' attenzione del caso. Ha anche sfoggiato uno stile impettito, danzante, sgargiante e ha rappresentato un'ulteriore tripla minaccia come compositore, arrangiatore e produttore di talento. Lui e Stanley Clarke furono le imponenti influenze sul loro strumento negli anni '70.
Jaco venne al mondo il 1 Dicembre del 1951 a Norristown un comune degli Stati Uniti d'America, capoluogo della Contea di Montgomery nello Stato della Pennsylvania, da Stephanie Haapala,di origini svedesi, e di Jack Pastorius , di sangue tedesco e irlandese e battezzato col nome di John Franci Pastorius III, cresciuto a Fort Lauderdale, dove ha suonato in band che facevano Funky, Soul, R&B e suonando in spettacoli pop mentre era ancora un adolescente e si è guadagnato la reputazione di leggenda locale. Tutto iniziò a formarsi rapidamente per lui una volta che iniziò a suonare con un altro debuttante, Pat Metheny , intorno al 1974. Nel 1976, era stato invitato a unirsi a Weather Report , dove rimase fino al 1981, diventando gradualmente una terza voce principale insieme a Joe Zawinul e Wayne Shorter.



Al di fuori dei Weather Report , si è trovato costantemente richiesto come sessionman e produttore, suonando per e negli album di Joni Mitchell , Blood Sweat and Tears , Paul Bley , Bireli Lagrene e Ira Sullivan - e il suo primo album solista omonimo per Epic nel 1976 è stato salutato con grande clamore da parte di pubblico e stampa.



Dal 1980 al 1984, ha suonato e registrato con la sua band, l'innovativo" Word of Mouth" che ha oscillato in dimensioni dall'essere un grande combo a divenire una grande band. Furono molteplici le sue partecipazioni con grandi artisti del calibro di Al di Meola,Herbie Hancock,Jimmy Cliff tra gli altri.



Purtroppo Pastorius fu sopraffatto da problemi mentali, esacerbati da droghe e alcolici a metà degli anni '80, portando a diversi imbarazzanti incidenti pubblici ( una sua violenta irruzione sul palco dell'Hollywood Bowl a metà del Playboy del 1984 Jazz Festival finì con l' andare in diretta TV). Tali episodi lo resero persona non gradita nel mondo della musica e verso la fine della sua vita, era diventato una persona di strada, secondo quanto riferito venne visto più volte in luoghi di ritrovo infestati dalla droga. Il giorno 11 settembre 1987 dopo aver assistito al concerto di Carlos Santana al Sunrise Music Theatre,Jaco continuò a vagare fino al Midnight Bottle Club di Fort Lauderdale (un bar after- hour).Secondo il buttafuori, un venticinquenne esperto di arti marziali chiamato Luc Havan, a Jaco venne negato l'ingresso perché era troppo ubriaco e molesto. Seguì una rissa. Quando la polizia arrivò sul posto alle quattro del mattino del 12 Settembre 1987 trovò Jaco steso a faccia in giù riverso in una pozza di sangue. Aveva il cranio e diverse ossa facciali fratturate. L'occhio destro era spappolato e staccato dall'orbita, ed era in corso una forte emorragia interna. Fu ricoverato al Broadway Country General Medical Center dove la famiglia il 21 Settembre dopo 9 giorni di coma in cui Jaco non si risvegliò mai dal coma, nonostante il parere dei medici che al momento del ricovero comunicarono alla famiglia che probabilmente nel giro di pochi giorni Jaco sarebbe stato in grado di sedersi e mangiare servendosi delle posate, decise di rimuoverlo dalle apparecchiature che lo tenevano in vita. Luc Havan venne accusato di percosse aggravate . Pagò una cauzione di cinquemila dollari e venne rilasciato. Quasi completamente dimenticato al momento della sua morte, Pastorius fu immediatamente canonizzato in seguito Marcus Miller scrisse la melodia "Mr. Pastorius" in suo onore,
(come molti altri nel corso degli anni).




Dalla morte di Pastorius , ci sono stati numerosi album pubblicati postumi con registrazioni live e in studio inedite. Nel 2015 il bassista è stato anche il soggetto del film documentario Jaco , prodotto dal bassista Robert Trujillo ( Suicidal Tendencies, Metallica ) e dal figlio maggiore di Pastorius John Pastorius IV .



La vita e la musica di Jaco Pastorius sono avvolte nella leggenda. Acclamato per la sua genialità e poi accantonato per la sua follia, la linea di confine tra genio e follia è esile ,non ricordo chi disse questa frase ma è perfetta per descrivere Jaco, e Jaco nei momenti migliori camminava sul filo del rasoio. Questo era Jaco il più grande bassista del mondo .

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Peter Max

06 agosto 2019 ore 15:29 segnala



In un blog deicato quasi esclusivamente alla musica, come per Denny Dent anche Peter Max si merita uno spazio all'interno del mio blog, anzi a voler ben vedere sono io che non dovrei trovare spazio qui ma tant'è, (special modo oggi 6 Agosto che nel 1965 vedeva l'uscita di "Help" il quinto album dei Beatles, mi pare duopo scrivere di Max)
Nato in Germania il 19 Ottobre 1937 da una famiglia ebrea che presto dovette sfuggire al nazismo, Peter Max passò una parte dell’infanzia a Shangai e ne conserva ancora ricordi molto vividi: per esempio dei disegni fatti per strada dal padre di una sua compagna di giochi, e chissà quanto il paesaggio e la flora esotica hanno inciso sulla sua arte. Dopo il trasferimento a New York e gli studi all’Arts Student League di Manhattan con un allievo di Norman Rockwell, fonda nel 1962 il suo primo studio con l’amico Tom Daly, e soprattutto in progetti di grafica pubblicitaria comincia a elaborare creativamente tematiche oggi fanno parte dell’armamentario di molte conversazioni quotidiane, ma che all’epoca erano del tutto inediti: gli influssi astrali, per esempio, lo yoga, la spiritualità orientale. Shakerate questi elementi con l’ampia diffusione delle sostanze psicotrope e con un gusto per la grafica floreale Art Nouveau e otterrete quell’affascinante mondo estetico
al profumo di patchouli che continua ciclicamente a presentarsi sulle passerelle di moda. Arriva una copertina di Life,



arrivano le partecipazioni ai talk-show, le rielaborazioni della Statua della Libertà,
Il 4 luglio 1976, Max iniziò la serie della Statua della Libertà che portò al suo impegno con l'amministratore delegato della Chrysler Lee Iacocca per contribuire al restauro della statua.Ed anche le commissioni federali per la creazione di francobolli.



Arriva anche l’amicizia con i Beatles (John Lennon era un fan appassionato, e per Ringo Starr Peter Max ha creato in anni recenti un fantastico pianoforte multicolor), alcune insistenti voci mettono Max tra i creatori del famoso " Yellow Submarine", anche se i produttori del cartoon Yellow Submarine negano una partecipazione diretta dell’artista al film.( nota bene i produttori lo negano nessun beatle lo ha mai negato). In seguito Max dipinse molte opere usando come soggetto i Beatles anche se in una versione "lisergica".



Lo stile di Max, i suoi colori e il suo gusto per la vita, i suoi cuori, i suoi pianeti e le sue bocche sorridenti caratterizzano la nuova collezione,già perché nel frattempo è diventato anche un guru per la moda sia per uomo e per donna. Gli elementi da tenere d’occhio, dicono alla Wrangler, sono «il mix di denim diversi nello stesso capo, con inserti di tessuti e di vari colori. Ogni elemento di ogni singolo capo viene tagliato separatamente, tinto, lavato e poi riassemblato», in puro stile artigianale Anni 70. Due opere di Max, Flower Runner e Smile, sono abbondantemente citate in riviste di settore . Colori pop per shorts, camicie e t-shirt della versione estiva: rosso, pesca, verde, blu e sabbia, mentre per la collezione autunnale la palette si sposta su navy, burgundy, tabacco e off-white. E anche il fit dei jeans si adegua: per lui c’è una versione del classico modello 11MWZ con la gamba stretta in fondo, per lei un denim Anni 70 che fascia i fianchi e veste dritta la gamba. E poi shorts leggermente svasati e giacche boxy: confortevoli per i Millennials come per i figli dei fiori.
Nel novembre 1997, Max si è dichiarato colpevole nel tribunale distrettuale federale di Manhattan con l'accusa di aver nascosto oltre $ 1,1 milioni di entrate dall'Internal Revenue Service in connessione con le vendite delle sue opere tra il 1988 e il 1991. La richiesta è arrivata due giorni prima della sua partenza sotto processo con una cospirazione di 11 conteggi e accusa di frode fiscale. Sotto l'accordo, si è dichiarato colpevole di accusa di cospirazione per frodare l'IRS e accusa di evasione fiscale, dicendo a un giudice federale che aveva preso i pagamenti in contanti, depositato gli assegni dei clienti sul suo conto personale e disposto altre transazioni per evitare le tasse responsabilità. Nel giugno 1998, fu condannato a due mesi di carcere e a una multa di $ 30.000. Il giudice federale ordinò a Max di pagare le tasse dovute e di svolgere 800 ore di servizio alla comunità.
Max è un ambientalista , vegano e sostenitore dei diritti umani e degli animali (questo post non fa di me un vegano sia chiaro). Nel 2002,si narra che una mucca fuggì da un macello dell'Ohio. La mucca saltò su una recinzione di sei piedi ( + o - 1.80cm) mentre i lavoratori dei macelli erano in pausa e non riuscirono a catturare per undici giorni. Max in seguito ha donato opere del valore di $ 180.000 a beneficio della Società locale per la prevenzione della crudeltà verso gli animali, parte dei proventi venne devoluta alla mandria della mucca a Farm Sanctuary a Watkins Glen, New York , una casa permanente in cui la mucca è rimasta per il resto della sua vita.
Max vive a New York City e ha due figli adulti, Adam Cosmo Max e Libra Astro Max. Max ha sviluppato demenza avanzata, in gran parte il risultato del morbo di Alzheimer.




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« immagine » In un blog deicato quasi esclusivamente alla musica, come per Denny Dent anche Peter Max si merita uno spazio all'interno del mio blog. Nato in Germania il 19 Ottobre 1937 da una famiglia ebrea che presto dovette sfuggire al nazismo, Peter Max passò una parte dell’infanzia a Shangai...
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Rush -The Band not the Movie!!!!!!!!

31 luglio 2019 ore 15:39 segnala


I Rush sono l'unica band che vanta la stridula e acuta ma intensa voce simile ad un lamento di Geddy Lee, le laceranti lucenti e tecniche chitarre di Alex Lifeson e i furiosi tamburi di Neil Peart. È una delle più grandi rock band di tutti i tempi. I Rush iniziarono a Willowdale, Toronto, in Canada, nella primavera del 1968. Questo era il periodo di band come "The Yardbirds", "Cream", "Led Zeppelin", "Jimi Hendrix" e "The Who".I Rush hanno emulato lo stile di queste band. I Rush sono stati formati da Alex Zivojinovich e John Rutsey, che all'epoca avevano 15 anni. Alex ha cambiato il suo nome in Alex Lifeson perché il suo vero cognome era troppo difficile da scrivere e pronunciare. "Lifeson" è la traduzione inglese di "Zivojinovich." Nell'agosto del '68, la formazione formale di Rush vedeva Jeff Jones al basso e alla voce solista, John Rutsey alla batteria e alla voce secondaria, e Alex Lifeson alla chitarra e alla voce secondaria.
Prima trovarono un lavoro e da suonare in una caffetteria chiamata "Coff-In". Mentre avevano sognato di suonare, avevano trascurato di trovare un nome per il loro gruppo. Contemplando nello scantinato di John Rutsey, non hanno avuto molta fortuna a trovare un nome finché il fratello maggiore di John non ha urlato, "Perché non chiami la band Rush?" Così "Rush" divenne il nome della band. Nel settembre del '68, Jeff Jones (bassista / cantante) fu sostituito da Gary Lee Weinrib (figlio di genitori polacchi sopravvissuti ai campi di concentramento nazisti). La nonna di Gary aveva un accento yiddish e quando lo chiamava Gary sembrava che lo stesse chiamando Geddy. E così Gary Lee Weinrib divenne Geddy Lee. Lindy Young si unì alla band nel gennaio del '69 suonando tastiere e chitarre. Poco dopo, la band cambiò nome in "Hadrian". Nel maggio del '69, Geddy Lee (bassista / cantante) lasciò gli Hadrian per formare la sua band "Ogilvie". Fu sostituito negli Hadrian da Joe Perna. Nel giugno del '69, Geddy Lee cambiò il nome della sua band da "Ogilvie" a "Judd". Nel luglio del '69 Lindy Young (tastiere e chitarre) lasciò gli Hadrian per unirsi a Judd. Gli Hadrian succesivamente si separarono. Judd presto seguì la scissione a settembre. Immediatamente dopo, Geddy Lee, Alex Lifeson e John Rutsey si riformarono come Rush. Nel febbraio del '71, Mitch Bossi fu aggiunto come secondo chitarrista della band. Che lasciò nel maggio del '71. Sono rimasti solo 3 membri.
Nella loro lineup finale, i Rush affinarono le loro abilità nel circuito dei club di Toronto prima di pubblicare il loro singolo di debutto, una interpretazione di "Not Fade Away" di Buddy Holly nel 1973.



Seguì un LP omonimo nel 1974,che vedeva Rutsey alla batteria per il primo e unico album con i Rush; fu sostituito dal batterista Neil Peart , che assunse anche il ruolo di autore principale della band, componendo i testi in modo "cerebrale" (influenzati da opere di fantascienza e fantasy) che gradualmente divennero un segno distintivo dell'estetica del gruppo.




Con Peart saldamente insediato, la band tornò nel 1975 con una coppia di LP, Fly by Night e Caress of Steel .



Il loro succesivo lavoro, fu 2112 del 1976,e dimostrò la loro svolta rivoluzionaria:



un concept album futuristico basato sugli scritti di Ayn Rand, che fondeva gli elementi del suono del trio: la voce acuta di Lee , l'epica batteria di Peart e Lifeson il complesso lavoro di chitarra - in un tutto unificato. I fan lo adorarono - 2112 fu il primo di una lunga serie di pubblicazioni che portò a dischi d' oro e platino - mentre i critici lo liquidarono come esagerato e pretenzioso; in entrambi i casi, ha stabilito una formula da cui la band raramente ha deviato per tutta la durata della sua carriera.
A Farewell to Kings seguito nel 1977 raggiunse la Top 40 sia negli Stati Uniti che in Gran Bretagna. Dopo Hemispheres del 1978,i Rush raggiunsero una popolarità ancora maggiore con l'album Permanent Waves degli anni '80, un disco segnato dal drammatico passaggio del gruppo in composizioni più brevi e meno tentacolari; il singolo "The Spirit of Radio" divenne persino un grande successo. Con la Moving Pictures del 1981, hanno segnato un altro successo con "Tom Sawyer".



Che ha ottenuto una forte esposizione alla radio orientata agli album e divenne forse la canzone più conosciuta del trio. Mentre gli anni '80 continuavano,I Rush divennero una macchina per concerti dal vivo, fenomenalmente popolare come album come Signals del 1982 (che generò il fantastico "New World Man"), Grace Under Pressure del 1984 e Power Windows del 1985 continuarono a vendere milioni di copie.
Mentre il decennio volgeva al termine, il trio ridusse il suo programma di tournée mentre i seguaci si lamentavano di un'afflizione che affliggeva lo stordimento, sforzi guidati dal sintetizzatore come Hold Your Fire del 1987 e Presto del 1989. All'alba degli anni '90, tuttavia, i Rush tornarono al suono più pesante dei loro primi dischi e ponevano una rinnovata enfasi sull'eroismo della chitarra di Lifeson ; di conseguenza, sia Roll the Bones del 1991 che Counterparts del 1993 raggiunsero i primi tre nella classifica degli album statunitensi. Nel 1996, la band pubblicò Test for Echo e uscì sulla strada l'estate successiva. Poco dopo, Peart perse sua figlia in un incidente automobilistico. La tragedia colpì di nuovo nel 1998 quando la moglie di Peart cedette al cancro.
I tempi tristi nel campo Rush non hanno causato la chiusura della band. Lee si è preso una pausa da solista con My Favorite Headache del 2000;



tuttavia, iniziarono a circolare voci sulla band che suonava in studio. Sarebbero passati cinque anni prima che qualcosa emergesse dalla band. I fan sono stati rassicurati all'inizio del 2002 dalla notizia che Rush stava registrando nuove canzoni a Toronto. Il frutto di quelle sessioni portò all'uscita del 17 ° album in studio di Rush , Vapor Trails , più tardi quella primavera. Alla fine dell'anno un concerto del tour di supporto è stato pubblicato in DVD come Rush a Rio .
Nel 2004 i Rush iniziarono il loro tour per il trentesimo anniversario, documentato sul DVD R30 , e nel 2006 tornarono in studio per iniziare a lavorare su un nuovo album che ha portato all'acclamato Snakes & Arrows del 2007. Nel 2010 è apparso un documentario sulla band assemblato dalla Bangor Productions di Toronto intitolato Beyond the Lighted Stage , seguito un anno dopo da un'altra produzione video di Bangor, Time Machine 2011: Live in Cleveland .
Il diciannovesimo album in studio di Rush , Clockwork Angels , è arrivato nel giugno del 2012.




Mentre l'anno successivo non avrebbe portato un nuovo album, ha prodotto la migliore novità con Vapor Trails: Remixed , a cui il produttore David Bottrill toglie al precedente lavoro di Leonard il mordente delle chitarre elettriche ma allo stesso tempo esaltandone maggiormente una delle sezioni ritmiche più incredibili della storia del rock.



Insieme all' album appena rifatto, i Rush pubblicarono anche Clockwork Angels Tour , un album live di tre dischi registrato durante il loro tour del 2012. La band decollò l'anno successivo, ma tornò nel 2014 con il set di video box R40 , che fu pubblicato in coincidenza con il 40 ° anniversario dell'adesione di Neil Peart . L'anno seguente i Rush iniziarono il loro tour R40 in Nord America, che si presumeva fosse il loro ultimo tour su larga scala. È stato raccontato nell'album del concerto per CD / DVD 2015 R40 Live .
Rush ha continuato a celebrare i 40 anni nei succesivi anni ristampando versioni rimasterizzate deluxe dei migliori titoli , tra cui 2112 , A Farwell to Kings ed Hemisferes . Quest'ultimo si è rivelato agrodolce: a gennaio del 2018, Lifeson ha dichiarato al Globe & Mail di Toronto che: "Non abbiamo più intenzione di andare in tour o registrare più. Abbiamo praticamente finito. Dopo 41 anni, abbiamo ritenuto che fosse abbastanza".

Nel corso degli anni I Rush sono diventati fonte di ispirazione per molti musicisti Geddy Lee è citato da molti bassisti oggi al vertice come Steve Harris degli Iron Maiden, John Myung dei Dream Theater, Les Claypool dei Primus, e Cliff Burton dei Metallica. Così è lo stesso per Lifeson citato Da Kirk Hammet dei Metallica da Slash oltre ad essere incluso nella lista dei migliori cento chitarristi rock secondo il famoso periodico musicale statunitense Rolling Stone, e che dire di Neil Peart giudicato come miglior batterista rock per interi decenni (1980/1990 - 2000/2010) oltre che grande paroliere e sorprendente scrittore non solo nel campo musicale ma in quello della vita nel significato più completo del termine stesso. Grazie ragazzi!

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« immagine » I Rush sono l'unica band che vanta la stridula e acuta ma intensa voce simile ad un lamento di Geddy Lee, le laceranti lucenti e tecniche chitarre di Alex Lifeson e i furiosi tamburi di Neil Peart. È una delle più grandi rock band di tutti i tempi. I Rush iniziarono a Willowdale, Tor...
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31/07/2019 15:39:16
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Rock'n'Roll Rhapshody

28 luglio 2019 ore 23:41 segnala


L'anno era il 2000 quando Lemmy fu invitato a contribuire con la chitarra e la voce per l'album A Special Tribute to Elvis di S.L.Phantom e di D.Harvey ,( gli Swing Cats) .



Dopo aver rifatto una versione di "Good Rockin 'Tonight" che vedeva anche la partecipazione del'amico Johnny Ramone oltre ad Harvey e Phantom che venne pubblicato in Italia solo nel 2018 per Cleopatra Records in edizione limitata





Lemmy prese in mano una chitarra e iniziò a suonare su alcuni brani classici di Eddie Cochran . Phantom e Harvey si unirono rapidamente, e i tre sentirono che la chimica era giusta e avrebbero dovuto farne un album tutto per loro.
Nel 2000, il trio The Head Cat divenne a tutti gli effetti un progetto collaterale che permetteva a Lemmy di sfogare la sua passione per il rockabilly e il rock della prima era. Gli Head Cat presentavano Lemmy al basso, alle chitarre e alla voce; Slim Jim Phantom of the Stray Cats alla batteria e alla voce; e Danny B. Harvey dei Rockats e i Lonesome Spurs alla chitarra, al basso e alle tastiere, registrarono Lemmy, Slim Jim e Danny B ,( Rock'n'Roll Rhapsodhy) che è stato pubblicato dall'etichetta tedesca Steamhammer.



Poi ristampato con una sequenza diversa e con tre tracce in meno (ignoro il motivo) nel 2006 dalla Cleopatra Records con il titolo Fool's Paradise .



La band suonava occasionalmente date live quando i loro programmi lo permettevano, e uno spettacolo del 2004 a Los Angeles fu pubblicato in uno speciale pacchetto DVD / LP, Rockin 'the Cat Club: Live from the Sunset Strip del 2006. Nel 2011, gli Head Cat pubblicarono un secondo album in studio, Walk the Walk ... Talk the Talk . Mentre l'album di debutto consisteva interamente di cover rock & roll vintage, Walk the Walk presentava due nuovi brani originali (American Beat e The Eagles Flies on Friday) insieme a dieci rockabilly, blues and country cover.



Gli Head Cat hanno continuato a suonare occasionalmente in date per club e festival fino all'inizio del 2015, quando la salute precaria di Lemmy ha iniziato a interferire con il suo programma di spettacoli. Gli Head Cat dovevano esibirsi come parte di uno spettacolo di compleanno di Lemmy il 13 dicembre 2015, ma Kilmister era troppo malato per partecipare. Morì il 28 dicembre, nel Maggio del 2017 l'ex Morbid Angel David Vincent tentò di sostituire Lemmy ,come Lemmy, anche Davidone nostro si buttò su vecchie cover la prima fu "T for Texas" vecchio pezzo Country di Jimmie Rodgers alcuni mesi dopo usci con un buon 7" a mio parere "Drinking with the Devil"- "Buyer Beware" poi apparizioni a parte in vari club e locali si sono perse le tracce.



P.S.
Questa l'ho postata per completezza di informazione.
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« immagine » L'anno era il 2000 quando Lemmy fu invitato a contribuire con la chitarra e la voce per l'album A Special Tribute to Elvis di S.L.Phantom e di D.Harvey ,( gli Swing Cats) . « immagine » Dopo aver rifatto una versione di "Good Rockin 'Tonight" che vedeva anche la partecipazione de...
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Tra Punk e Metal

09 luglio 2019 ore 22:42 segnala






Essendo io quello che sono cioè un cazzo di metallaro cresciuto tra i punk che ormai da anni è dedito a qual si voglia forma del Rock'n'Roll più marcio che ci sia in circolazione e che riconosce in Lemmy il suo unico Dio, non potevo esimermi dallo scrivere un paio di cose sull'argomento Punk&Metal.
PLAY:
Difficile trovare nel mondo della musica rock uno tsunami di proporzioni ed effetti a breve e lungo termine paragonabile a quello scatenato dal punk nella seconda metà degli anni Settanta. Una rivoluzione che ha ridisegnato qualsiasi punto di vista per gli artisti dell’epoca: quello prettamente musicale, quello concettuale, e quello spesso non meno importante delle apparenze. In effetti, è totalmente impossibile immaginare buona parte della musica moderna successiva al 1977 senza l’influenza del punk, più o meno marcata e più o meno distorta, alle spalle. Uno dei generi che maggiormente ha avvertito la devastante scossa del punk, assorbendone in modo spesso involontario certi aspetti o valori, è senza dubbio l’heavy metal, in quasi ogni sua forma. L’argomento è talmente vasto da poter riempire svariati volumi, ma spero di riuscire in poco spazio ad illustrare in modo sensato ed efficace l’importanza di un genere spesso conosciuto poco e male se non malvisto.
Sia punk che metal vantano origini e antenati più antichi delle loro date di nascita “ufficiali”. Perdersi in un’analisi di questo tipo sarebbe fin troppo facile, quindi prenderò per buone le date ormai “canonizzate”: il 1977 per il punk,(lo so prima di loro i Ramones e prima ancora i New York Dolls) con la vera e propria esplosione del genere e della cultura avvenuta grazie all’incoscienza e all’esposizione mediatica di cui godettero i pilotati Sex Pistols;

https://www.youtube.com/playlist?list=PL6F43C1124738F679

Per il metal una data precisa è meno riconoscibile: senza considerare Deep Purple, Led Zeppelin e Black Sabbath, ancora vincolati fortemente a blues e hard rock, la pietra fondante del genere è spesso considerata essere l’album Stained Class dei Judas Priest, anno 1978




Inutile dire che simili date sono semplici indicazioni, non verità assolute, e credo che dibattere sia piuttosto fine a sé stesso; quello che interessa è il fatto che i generi siano quasi coetanei ed il blackout punk non poteva non influenzare in qualche modo un nuovo movimento, la NWOBHM ( New Wave Of British Heavy Metal). Movimenti per lo più giovanili e di ribellione, con però modi di attuarla e radici differenti: l’incontro-scontro era inevitabile.
Il punk rock, almeno in origine, non aveva connotati politici realmente sentiti e consisteva più che altro di mera provocazione ad ogni costo: dai casi più famosi delle svastiche sui giubbotti dei Pistols a quelli dei più ignoti gruppetti di periferia, il punk è subito riconoscibile per il suo estremismo in tal senso. Il metal non sentirà mai davvero il bisogno di una ribellione di questo tipo, e dal punk recupererà, in termini modaioli, soprattutto l’abbigliamento e il look stradaiolo (spesso costruito).

"Essere punk vuol dire essere un fottuto figlio di puttana, uno che ha fatto del marciapiede il suo regno, un figlio maledetto di una patria giubilata dalla vergogna della Monarchia, senza avvenire e con la voglia di rompere il muso al suo caritatevole prossimo" (Johnny Rotten).

Il metal, genere di per sé più intimo, preferì avere tratti esteriori meno appariscenti, tenendosi i capelloni dei propri progenitori e lasciando creste e spike ai più estrosi e esaltati punk. Di certo però sul palco, soprattutto all’epoca, i due generi dovevano somigliarsi parecchio:

"Risultavamo molto aggressivi. Ma questa non è mai stata realmente per me una cosa punk, quella era una cosa puramente metal. Noi facevamo morire di paura i punks" (Steve Harris).

Gruppi con una coscienza e delle idee politiche arrivarono ben presto nel punk rock. I più famosi sono senz’altro i Clash, ma non bisogna dimenticare gruppi che col passare del tempo e allontanandosi dalle origini arrivarono a estrema destra o estrema sinistra. Il metal non ha praticamente mai considerato di veicolare messaggi del genere, preferendo trattare di tutt’altri temi; condivide molto più spesso la sfida nei confronti delle religioni, sebbene anche in questo campo lo faccia spesso in maniera più intimista rispetto alla pura smania di distruzione che connota il punk.
I metallari dell’epoca vennero piuttosto attirati dallo spirito do it yourself del punk,ma dallo spirito di aggregazione, dalla voglia di darsi da fare in prima persona per la musica che si amava: vedi il gran numero di fanzine sorte in quegli anni e il giro dei dischi che si faceva all’epoca, da una parte e dall’altra. Cose che oggi, purtroppo, sembrano essersi affievolite.
Questo è senza dubbio il punto di maggiore interesse. Sebbene senz’altro dotata di tecnica il più delle volte maggiore e da una produzione testuale generalmente più profonda, la NWOBHM (New Wave Of British Heavy Metal) venne senza dubbio influenzata dall’energia e dall’attitudine stradaiola del grezzo punk. Così, nonostante la presenza di assolo (generalmente assenti o poco elaborati nel punk rock), una maggiore ricerca melodica, una lunghezza dei brani generalmente maggiore eccetera, non risulta difficile credere che all’epoca concerti di un genere potessero essere confusi per l’altro o viceversa. Per non parlare ad esempio dei Motörhead, band molto amata anche dai punk che frequentavano numerosamente i loro concerti! Difficile d’altronde dimenticare il famoso scambio di battute di Lemmy con Sid Vicious o la collaborazione del leggendario bassista coi Damned. Ricordo, in una ripresa effettuata all’interno del Virus, centro sociale milanese ormai scomparso, un tempo vero e proprio punto di riferimento per il genere italiano ed europeo, un ragazzo affermare: “se consideri i G.B.H. punk allora anche i Motörhead sono punk”…
(mica per niente i G.B.H. indossano spesso e volentieri T Shirt dei Motörhead )
Arriviamo così a parlare di hardcore. Sottogenere del punk rock, ne rappresenta un’inevitabile evoluzione: dimenticato ogni virtuosismo, si pigia sull’acceleratore, si pompa la distorsione, la voce si incattivisce e i testi vergono sempre più sul politico e sul sociale. Vi ricorda qualcosa? Gruppi come Misfits, Discharge, Exploited, Black Flag e chi più ne ha più ne metta, si rivelano assolutamente decisivi per la nascita del metal estremo. Qual è l’anello di congiunzione? Forse i Venom, i quali, a metà tra metal e punk, con Welcome To Hell (1981) e Black Metal (1982) getteranno le basi per la nascita di album quali Kill ‘Em All e Show No Mercy, per poi arrivare al black metal, al death ed ai traguardi che tutti oggi conosciamo.







Non tarderà d’altronde ad arrivare il cosiddetto punk metal, crossover tra harcore punk e speed metal: anche qui non posso non citare i Motörhead che ancora una volta tracciarono un solco indelebile nella storia di questa musica.







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« immagine » Essendo quello che sono cioè un cazzo di metallaro cresciuto tra i punk che riconosce in Lemmy il suo unico Dio, non potevo esimermi dallo scrivere un paio di cose sull'argomento Punk&Metal. PLAY: Difficile trovare nel mondo della musica rock uno tsunami di proporzioni ed effetti a...
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Tra Arte e Musica

03 luglio 2019 ore 23:35 segnala


Che poi la musica è l'arte che preferisco,ma cercavo qualcosa che potesse unire la musica all'arte della pittura e mi è tornato in mente Denny Dent e chi può unire le due arti in un unica stupenda sinfonia di music/art/print,quindi due righe da parte mia al maestro sono d'obbligo:
Denny Dent è nato il 5 Aprile del 1948 a Okland California è vissuto a Denver,Colorado
A volte indicato come "l'unico pittore di rock and roll", e talvolta come "bambino che gioca nel fango", Denny Dent è stato sicuramente uno dei più famosi pittori di velocità della storia. Il suo stile chiamato "Two-Fisted Art Attack" era, infatti, una performance che coinvolgeva musica, danza e pittura con entrambe le mani, tre pennelli in ciascuno. L'abilità che questo inimitabile artista ha mostrato in ciascuna delle sue sessioni di pittura veloce ha completato la sua arte, mentre il pubblico è rimasto spesso ipnotizzato. A causa dell'unicità della sua performance, Dent godette di grande popolarità, mentre i ritratti che dipingeva venivano venduti a prezzi piuttosto alti per la velocità dell'arte. Il suo repertorio comprendeva i ritratti di John Lennon, Jimi Hendrix, Elton John, Mick Jagger, Billy Joel, Frank Sinatra e Tina Turner, solo per citarne alcuni.









Nel corso di poche canzoni pop / rock, completava un ritratto.
Le umili origini di Denny Dent includevano sua madre, anche lei artista e suo nonno, un ambizioso ebanista, che gli conferì il talento iniziale. Sebbene non abbia finito la scuola, la spinta artistica e il bisogno di esprimersi sono sempre stati presenti e la prima volta che ha avuto la possibilità di farlo fu durante una veglia di John Lennon del 1981. Il suo stile si è rivelato così diverso da qualsiasi altra cosa e così interessante, che ha iniziato a ricevere chiamate da tutto il paese, dipingendo come un atto di apertura per le band e in altre occasioni. È stato portato alla ribalta con la leggendaria esibizione a Woodstock nel 1994, dove ha dipinto davanti a 300.000 persone.
Con la crescita della sua popolarità, aumentò anche la gamma dei suoi soggetti, che comprendeva oltre a musicisti famosi anche personaggi sportivi dal NHL (National Hockey League) e dalle gare del campionato NASCAR oltre che a politici come l'ex presidente degli Stati Uniti Bill Clinton e il sindaco di New York Rudolph W. Giuliani tra gli altri.
Denny ha portato la sua unica espressione di creatività a persone di ogni ceto sociale. Il suo messaggio è semplice: "Non è quello che fai, ma il modo in cui lo fai è importante, qualsiasi cosa tu faccia ... fallo con tutto il tuo cuore. Sii ciò che sei ... sii creativo!"
Perlomeno Denny Dent era il padre della sua forma d'arte.
La diversità delle sue esibizioni ha incluso la pittura di Beethoven con l'accompagnamento della Colorado Symphony Orchestra, la pittura di Papa Giovanni Paolo II alla Giornata Mondiale della Gioventù a Denver, e un dipinto di Martin Luther King, Jr. che è stato presentato alla famiglia del leader dei diritti civili essere appeso nella King Library.
Denny Dent morì a Denver dove trascorse la sua vita, il giorno 24 Marzo 2004 per complicazioni legate a un infarto.




https://www.artbrokerage.com/Denny-Dent
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« immagine » Che poi la musica è l'arte che preferisco,ma vorrei unirla all'arte della pittura e chi meglio di Denny Dent può unire le due in una stupenda sinfonia di music/art/print: Denny Dent è nato nel 1948 a Okland California è vissuto a Denver,Colorado A volte indicato come "l'unico pittore...
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Cliff - To Live is To Die!

14 giugno 2019 ore 15:48 segnala


Anche se i Metallica sarebbero diventati un fenomeno heavy metal degli anni '90 (dovuto in gran parte alla straordinaria vendita del Black Album che superò gli oltre 15 milioni di copie vendute nei soli Stati Uniti)), la forza principale della band era innegabilmente a mio parere il loro bassista , Cliff Burton . Burton è stato la mente pensante nella musica, nell'aspetto e nella direzione dei Metallica , che sono stati come un pugno nello stomaco contro il dilagare del glam metal (jeans strappati, camicie delle loro band preferite, lunghi capelli spettinati, ecc.) Senza alcun interesse per i video o il mainstream. Dopo la morte prematura di Burton nel 1986, i Metallica hanno ottenuto i loro più grandi successi, ma hanno finito per andare completamente contro ciò che originariamente rappresentavano.Clifford Lee Burton (Cliff) è nato il 10 febbraio 1962 a Castro Valley, in California,già sull finire dell'infanzia Cliff aveva già cominciato ad ascoltare la collezione di musica classica dei genitori poco tempo dopo iniziò a prendere lezioni di pianoforte. Il rock ebbe un forte impatto su Cliff, verso gli undici\dodici anni ascoltava già il country rock di Eagles e Lynard Skynyrd, i riff di Ted Nugent e tutto il rock da stadio tipo Aerosmith,Blue Öyster Cult, in seguito cominciò ad appassionarsi al jazz fusion e ha iniziato a suonare il basso e ben presto dovette cambiare più volte i maestri di musica, che Cliff implacabilmente riusciva a superare in abilità di esecuzione e di apprendimento così dopo aver preso lezioni dai maestri che i genitori gli avevano consigliato andò a lezioni da un bassista jazz molto bravo insegnante di musica presso la ABC School di Castro Valley,oltre al jazz gli fece conoscere Bach,Beethoven e la musica barocca diventò così bravo che non aveva più bisogno del maestro si mise a studiare e suonare Bach,ormai sedicenne nel giro di un anno Cliff acquistò un basso Rickenbacker 4001 e una Volkswagen maggiolino da li in poi ci fu solo la musica, si unì prima agli EZ Street nome che in seguito venne cambiato in Agents of Misfortune quando la band si sciolse per la fuori uscita di alcuni membri in particolare Jim Martin che entrò a far parte dei Faith no More , Cliff continuò cambiando il nome della band in Chicken Fuckers per alcuni concerti, fino al momento in cui entrò a far parte dei "Trauma" dopo averli visti in concerto, e dopo aver jammato con loro per qualche ora .



Influenzato principalmente dagli heavy metal degli anni '70 ( Black Sabbath , Blue Öyster Cult , Rush , Thin Lizzy ,ma anche dai Misfits dal punk al jazz per arrivare a Bach ecc.), Burton ha conservato i suoi "jeans a zampa d'elefante" negli anni '80, rendendolo un vero stile originale. Tutto il suo stile era inconfondibile; ha suonato il basso in un modo molto particolare uno stile personale e ricercato non paragonabile ad altri bassisti della scena metal , spesso intriso di distorsioni non a caso tra i suoi bassisti preferiti cita Lemmy ( Motörhead), Geezer Butler (Black Sabbath) e Jean Jacques Burnell (Stranglers) gli unici ad aver sperimentato quei tipi di sonorità . Il chitarrista James Hetfield e il batterista Lars Ulrich capirono subito le sue potenzialità quando videro Burton mentre si esibiva in un club di LA con la sua band "Trauma" e hanno immediatamente chiesto a Burton di unirsi alla loro nuova band, i Metallica . Burton accettò una sola condizione: trasferirsi a San Francisco. I membri erano d'accordo e i Metallica stavano arrivando. Mentre la maggior parte delle band "metal" dell'epoca indossavano trucco e spandex, cantava di feste e non recitava nient'altro che musica pop , i Metallica andavano del tutto controcorrente. La loro musica doveva molto ai gruppi metal britannici dei primi anni '80 ( Iron Maiden , Motörhead , Diamond Head ), come dimostra il loro album d'esordio, Kill 'Em All del 1983 (che vide il chitarrista Kirk Hammett sostituire il chitarrista originale Dave Mustaine ) , che includeva il feroce assolo di Burton "Anesthesia (pulling teeth)".





La band nel 1984, pubblicò il secondo album Ride the Lightning ,che in breve tempo diventò uno dei classici di tutti i tempi del metal.



Ma il meglio doveva ancora venire; La terza uscita dei Metallica è stata senza dubbio la loro migliore (per quanto riguarda classifiche e vendite nel periodo con Cliff) Master of Puppets del 1986,



che ha fatto irruzione nella Top 30 americana e ha vinto il disco d'oro senza alcun supporto radio o MTV. Dopo aver completato una serie di live in apertura per i concerti di Ozzy Osbourne , la band intraprese un tour europeo. Quello che avrebbe dovuto essere un momento di festa si trasformò rapidamente in tragedia la mattina del 27 settembre 1986,quando venne data la notizia" Cliff Burton è morto nelle prime ore del mattino su una remota strada di montagna svedese in un incidente stradale che ha ribaltato il tour bus in cui viaggiava con il resto della band, aveva solo 24 anni". Nessuno è in grado di dire cosa sarebbero diventati i Metallica con Cliff ancora in vita , con la sua attitudine e la sua capacità di bassista, la sua abilità compositiva e ad una tecnica fenomenale che ha saputo spingere i Metallica sino all'apice della loro creatività. La musica di Cliff Burton sarà sempre lì per chi ne ha bisogno. I musicisti continuano a vivere tramite la loro musica, e in questo senso, Cliff non morirà mai.

Una delle frasi celebri di Cliff era:"faccio un pò come cazzo mi pare"
Tutto sommato riassumeva perfettamente il personaggio.

"Kirk Hammet",primavera 2009








Ray Burton, il padre del defunto bassista dei METALLICA, Cliff Burton, ha recenntemente dichiarato quanto segue a Mark Agnesi della Gibson, dando il suo personale consiglio ai padri di ragazzi che vogliono fare musica:

“Cliff sapeva quello che voleva fare e lo ha fatto. Come potresti non aiutare un figlio che ha l’iniziativa già nel suo sistema e vuole imparare un lavoro come quello? Il modo in cui ha perseguito la carriera musicale e l’entusiasmo che ha dimostrato verso il suonare, ci ha fatto pensare: ‘vediamo che accade’. E’ venuto da noi e ci ha detto: ‘mi supportereste per cinque anni?’ Quello che è successo poco dopo, è storia.
Mio figlio non era solo un ottimo musicista, era una persona eccezionale. C’è un sacco di buona musica lì fuori… supportatela. Guardate ai vostri figli come un tesoro da trattare con amore. Incoraggiateli il più che potete e aiutateli. Incoraggiateli senza essere esigenti nei loro confronti. Permettetegli di essere loro stessi e siate gentili”.


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« immagine » Anche se i Metallica sarebbero diventati un fenomeno heavy metal degli anni '90 (dovuto in gran parte alla straordinaria vendita del Black Album che superò gli oltre 15 milioni di copie vendute nei soli Stati Uniti)), la forza principale della band era innegabilmente a mio parere il ...
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14/06/2019 15:48:32
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Ronnie

28 maggio 2019 ore 22:38 segnala



Ronnie James Dio è stato indiscutibilmente uno dei più talentuosi e riconoscibili cantanti dell'heavy metal. Nato Ronald James Padavona a Portsmouth, New Hampshire, il 10 luglio 1942, il giovane Dio iniziò la sua carriera musicale in tenera età, suonando il basso e la tromba per una band locale chiamataThe Vegas Kings, conosciuta anche con il nome di Ronnie Dio and the Prophets (composero anche un brano cantato da Ronnie in italiano "Che tristezza senza te") .





La band cambiò nome nel corso degli anni, fino alla fine degli anni '60, quando Ronnie e suo cugino David Feinstein ( che dopo la fuoriuscita formò gli strepitosi The Rods) formarono la band Electric Elves , specializzato in suoni rock e folk. All'alba degli anni '70, il loro nome fu abbreviato in semplicemente Elf (con Dio che si concentrava sulle voci soliste a tempo pieno, e cambiò il suo nome in Ronnie James Dio ) e il contratto discografico arrivò dopo che gli Elf aprirono i concerti in alcune date nel Regno Unito per i Deep Purple,Ronnie instaurò una buona amicizia con il bassista dei Deep Purple Roger Glover (che in seguito divenne loro produttore).





Dopo aver registrato diversi brani in studio sotto l'occhio attento di Roger Glover, l'ex chitarrista dei Deep Purple Ritchie Blackmore , che aveva appena lasciato i Deep Purple e stava cercando di formare un nuovo progetto, ha invitato la maggior parte di Elf a unirsi al suo nuovo progetto, Rainbow .( in realtà Blackmore si appropriò degli Elf)
Mentre il piano musicale originale di Blackmore per i Rainbow era tornare alle origini (l'esatto opposto di quello che il dinosauro rock Deep Purple era diventato verso la fine), il nuovo gruppo finì per sembrare più o meno come Purple - in effetti, un è stato aggiunto un margine prog progressivo. Album di successo come Ritchie Blackmore's Rainbow del 1975, Rising del 1976, On Stage del 1977 e Long Live Rock 'n' Roll del 1978 hanno aiutato a introdurre definitivamente Dio nelle grazie dei fans dell'heavy metal in tutto il mondo,



ma quando Blackmore ebbe chiarito che i Rainbow erano la sua band, Ronnie fece il salto e abbandonò i Rainbow . Poco dopo, Dio ricevette la notizia che Ozzy Osbourne aveva lasciato i Black Sabbath e fu organizzato un provino. Dio ottenne il contratto immediatamente (scrivendo gran parte del classico Sabbath "Children of the Sea" nella loro jam session iniziale)



in quel periodo Ronnie diede vita a quello che è il gesto metal nell'immaginario del popolo del metallo e cioè il gesto delle corna (gesto che vedeva fare da sua nonna)



e ha aiutato i Sabbath a uscire dal loro crollo creativo e commerciale, dando vita a classici del metal come Heaven and Hell del 1980 e Mob Rules del 1981. Dopo aver goduto del loro più grande successo negli anni, Ronnie lasciò i Sabbath, scioccando il mondo del metal, lasciando quella che sembrava essere un'unione promettente dopo l'apparizione di Live Evil nel 1982.
Stufo della nomea di "cantante a noleggio" che gli è stato conferito da molti, Dio decise di formare il suo primo progetto solista, chiamato semplicemente Dio . Simile allo stile delle sue precedenti band, ma con un margine leggermente più commerciale, i primi due album di Dio , il 1983 Holy Diver e 1984 Last in Line.



Hanno collezionato vendite da dischi di platino - rendendo la band un vera Headliner/band per i live show (completa con uno spettacolo teatral-heavy metal). Nel 1985, Dio trovò anche il tempo per dirigere una versione heavy metal di Band Aid / USA per l'Africa, chiamata Hear 'n Aid , che vide un gruppo di famosi personaggi della scena metal che eseguivano una canzone di Dio , "Stars".



Tutti i fondi del singolo e dell'album con lo stesso nome furono devoluti per combattere la fame in Africa. Sebbene Dio non potesse sostenere il loro successo commerciale iniziale, rimasero una costante attrazione nell'ambito heavy metal. Nei primi anni '90, Ronnie aggiustò le sue divergenze con i suoi vecchi amici Black Sabbath e si ritrovò di fronte alla band ancora una volta per un album, Dehumanizer del 1992, e il successivo tour. Com'era prevedibile, la riunione non durò a lungo, e tornò al lavoro da solista, dando vita a album come Angry Machines del 1996, Magica del 2000 e Killing the Dragon del 2002.
Nel 2006 Dio si è riunito con i suoi amici e fratelli Black Sabbath Tony Iommi , Geezer Butler e Vinny Appice per formare gli Heaven & Hell , dal nome della prima registrazione di Sabbath con Dio nel 1980. Heaven & Hell è stato in tour nel 2007 e ha pubblicato i due disco CD / DVD Live di Radio City Music Hall nello stesso anno, e lo studio di registrazione completo Devil You Know è arrivato nel 2009. Tuttavia, nel novembre di quell'anno la moglie di Dio , Wendy , ha annunciato che il cantante soffriva di stomaco gli fu diagnosticato un cancro, anche se indicava che la malattia era nelle sue fasi iniziali ed esprimeva la speranza per un completo recupero e ritorno allo spettacolo. Ciononostante,gli Heaven & Hell hanno successivamente cancellato i loro piani di tour per l'estate 2010 e, purtroppo, Ronnie James Dio ha ceduto alla malattia il 16 maggio 2010, presso l'MD Anderson Cancer Center di Houston, in Texas.
Ronnie James Dio ha registrato l'ultimo brano prima della sua tragica scomparsa. Con suo cugino David Rock Feinstein e pubblicato nel suo album 'Bitten By The Beast'

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« immagine » Ronnie James Dio è stato indiscutibilmente uno dei più talentuosi e riconoscibili cantanti dell'heavy metal. Nato Ronald James Padavona a Portsmouth, New Hampshire, il 10 luglio 1942, il giovane Dio iniziò la sua carriera musicale in tenera età, suonando il basso e la tromba per una...
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28/05/2019 22:38:19
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Difensori della Fede

22 maggio 2019 ore 23:09 segnala







I Judas Priest sono stati, tra la seconda metà degli anni '70 e la fine degli anni '90, il prototipo della H.M. band, sia a livello musicale che estetico, e profondissima è stata la loro influenza sia a livello compositivo, con un tipico modo di scrivere e di eseguire i riffs dei loro pezzi, sia sull’iconografia del metaller, specialmente nella prima metà degli '80.
I Judas Priest si formano nel 1969 con una prima line-up comprendente Al Atkins alla voce (personaggio già abbastanza noto), Bruno Stapenhill al basso, John Parridge alla batteria, e K.K. Downing alla chitarra, quest’ultimo però viene scartato perché inesperto (!) e sostituito da Ernie Cheataway: i 4 prendono il nome da un pezzo di Bob Dylan (The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest) e iniziano l’attività , che però si interrompe presto. Atkinsdecide di formare una nuova band, richiama K.K. Downing, John Ellis alla batteria e Ian Hill al basso. Come nome viene confermato quello della band di Atkins, qui nasce il vero embrione dei Judas Priest. Dopo aver avviato una buona attività on stage, si verificano altri cambi di formazione: Alan Moore sostituisce Ellis e viene poi sostituito da Chris Campbell, finchè nel 1973 si verifica la svolta sostanziale: Atkins non regge più alle ristrettezze economiche e lascia per far posto all’ex vocalist degli Hiroshima, Rob Halford, nasce la leggenda. Con un altro batterista, Rob Inch, i Judas Priest incidono una demo che li porta ad un contratto con la Gull, che suggerisce loro (ed è la cosa migliore che abbia mai fatto) di aggiungere un altro chitarrista: viene reclutato Glenn Tipton.
Il risultato è l’album d’esordio, datato 1974 e non certo memorabile, sia perché lo stile Judas Priest non era sicuramente ancora definito, risentendo anche del periodo storico ancora più legato al blues che all’hard rock così come oggi lo intendiamo, sia perché i mezzi che la GULL mise a disposizione furono molto limitati, tanto che i Judas furono costretti a dividere lo studio con un'altra band, prassi consueta per la Gull, che così conteneva i costi di produzione. C’era comunque del buono in quel disco, importante come documento storico, e divertenti le foto contenute, con un Rob Halford con i capelli lunghi che non vedremo più. Circa un anno e mezzo dopo esce Sad Wings Of Destiny, un disco molto più maturo a livello compositivo e meglio prodotto, che vale loro un contratto con la CBS, per la quale, esce nel 1976 Sin After Sin, un buon platter, con il session-man Simon Phillips alla batteria, ma soprattutto con Roger Glover dei Deep Purple a curare la produzione.
Con SinAfterSin si conclude il primo periodo dei Judas Priest che, nel 1978, irrompono sulla scena con Stained Class, un disco esplosivo per l’epoca, che si apriva con Exiter, (diverrà poi un classico live), e che continuava per tutta la sua durata mantenendosi su livelli sempre elevati. Da citare almeno Saints in Hell e Beyond The Realms Of Death, oltre all’ennesimo batterista, Les Binks. Dello stesso anno Killing Machine, quasi dello stesso livello del precedente, tranne per un paio di episodi troppo commerciali riscattati da songs come Running wild, Delivering The Gods e la title-track. Il disco uscì sul mercato americano col titolo Hell Bent For Leather. I tempi sono maturi per un live, e nel 79 Unleashed In The East non tradisce le attese, e i JudasPriest sfornano uno dei più bei live degli anni '70. Pezzi come Exciter, The Ripper, Sinner, Rock forever acquistano una dimensione nuova.
Bisogna però aprire una parentesi sulle esibizioni live dei Judas Priest che, come già detto, hanno influenzato una miriade di gruppi degli anni '80, con il loro look inconfondibile, modello per tutti, e la mitica Harley con cui Rob entrava in scena e che seviziava sul palco. Un’altra svolta importantissima (per me la più importante) si ha nell’80, dopo l’entrata di Dave Holland alla batteria, con l’avvento di Tom Allom alla produzione. Il primo risultato è British Steel, quasi tutti i pezzi dell’album entreranno nel repertorio dal vivo,ed il suono è veramente moderno. Venne anche girato un video di Breaking The Law,
che ora è da collezione. Il successivo Point Of Entry dell’81 è una caduta di tono troppo commerciale. Nell’82 però esce Screaming For Vengeance, uno dei più bei dischi di sempre, inutile citare i pezzi, non c’era un solo episodio di tono minore, ed uno strepitoso Tom Allom in console che conferì a SFV una maestosità senza precedenti, Rob Halford con le corde vocali al massimo, Tipton e Downing autori di incroci incisivi ed eclettici. Tutti pensavano che fosse un album insuperabile, ma nell’84 Defenders Of The Faith spiazza tutti, si tratta dell’album più heavy metal di tutti i tempi, non c’è una sbavatura, un’imperfezione: sezione ritmica perfetta, Halford come forse non si sentirà più, i riff più belli della storia del metal, ed un suono “Allomiano” da infarto; anche qui non posso citare un pezzo, si tratta di un disco monolitico, tutto al massimo livello qualitativo.
Purtroppo il seguente Turbo sarà una delusione, look semi-glam (?) e pezzi commerciali ulteriormente rovinati dall’uso del guitar-synth (anche gli Iron Maiden in Somewhere In Time dello stesso anno, useranno il guitar-synth, ma con esiti molto diversi) da dimenticare. Ram It Down dell’88 riporta solo parzialmente i Juda Priest sulla retta via, ma i fans sono ancora delusi. Nel 1990, dopo una causa con il PMRC e con Scott Travis dai Racer-X alla batteria, esce Painkiller, l’ultimo capolavoro, con pezzi di forte impatto e ben scritti (Metal Meltdown, Night Crowler) avvicinabili all’epoca di DOTF, i Judas sono tornati, ma a questo punto il giocattolo si rompe. Halford vorrebbe avviare un progetto solista (Fight) parallelo ai JudasPriest, ma la CBS si oppose, ed alla fine Rob, segnato anche psicologicamente dalla causa, abbandona il gruppo. L’abbandono costa ai Judas 7 anni di stop, finchè viene reclutato Ripper Owens, che faceva parte di una cover band Priestiana, che passa così da emulatore a sostituto di Halford. I Judas però non sono più gli stessi, e non per colpa di Owen, che non se la cava male, anzi, ma incredibilmente per colpa di Tipton che, forse nel tentativo di proporsi ad un pubblico nuovo, snatura completamente il sound Priestiano, col risultato di perdere i vecchi fan e non acquisirne molti di nuovi, proponendo songs anonime e senza quei famosi incroci al vetriolo della ditta Tipton/Downing. Jugulator del 1997 e Demolition del 2001 sono cocenti delusioni, censura poi sui 2 doppi live del 1998 e del 2002, pure speculazioni commerciali. Poi all’improvviso la notizia del ritorno di Halford dopo una buona carriera solista “condita” dalla confessione coraggiosa della sua omosessualità. Si esaurisce la favola di Owens (che non ha demeritato) ma si riforma la line-up che ha sfornato capolavori, riaccendendo la speranza di rivedere i veri Judas. Speranza esaudita almeno in parte con Angel Of Retribution del 2005 a cui fanno seguito Nostradamus 2008 ottima come sempre la prestazione dell'intera band, pur risultando di difficile assimilazione ad un primo ascolto,e ancora nel 2014 con Reedemer of souls album in cui l'indimenticabile K.K. Dowing viene sostituito da Richie Faulkner ( Deeds, Voodoo Six, Lauren Harris, Ace Mafia…) i suoni sono come sempre ben curati e potenti,nell' insieme un album da Judas Priest niente da dire,la loro ultima pubblicazione risale al 2018 con l'album Firepower cosa dire di un album che dopo un primo ascolto mette in evidenza per la maggior parte ottimi pezzi ,il che è senza dubbio un buon segno, ed ora stiamo a vedere cosa combineranno i "Sacerdoti di Giuda"…
to be continued (maybe)




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« immagine » « video » « immagine » I Judas Priest sono stati, tra la seconda metà degli anni '70 e la fine degli anni '90, il prototipo della H.M. band, sia a livello musicale che estetico, e profondissima è stata la loro influenza sia a livello compositivo, con un tipico modo di scrivere...
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